Oscar- taxista.

Wooden Mirror - Daniel Rozin

Wooden Mirror es una escultura mecatrónica de Daniel Rozin

El artista en muchas de sus obras juega con la dualidad analógico-digital, sobre todo en el trabajo con espejos, y con como elementos pertenecientes a una de estas esferas se pueden transformar desde el funcionamiento para pertenecer también al otro mundo. En este caso, presentamos un espejo hecho de motores y madera. Para nada un espejo convencional como el ser humano conoce desde hace milenios.

Resulta fascinante el recurso de reproducción en tiempo real que nos brinda este espejo digital. Mediante el empleo de una cámara, un complejo software, actuadores, como lo son los motores, y un material tan poco reflexivo como es la madera, el objeto nos lleva a una discusión sobre la vigencia de algo tan antiguo como el espejo. La discusión podrá ser corta, si así se desea, porque parece imposible igualar la eficacia, velocidad y nivel de detalle de un artefacto que funciona a la velocidad de la luz contra, las limitaciones de uno electrónico, pero la pieza no pasa por un cuestión de funcionalidad y es tanto llamativa como invocadora.

Rozin tiene una serie de obras en las que emula a los espejos o mirrors (en inglés), pero elegimos este por la ser la primera de la tira (1999), sin significar menos desarrollo, y, por sobretodo, por utilizar un material orgánico como la madera. Aquí la discusión digital-analógico toma un punto cúlmine por la hibridez que conlleva objeto, más allá de la polémica que hemos resaltado antes. Una serie de motores toman la información de luz de cada píxel, desde el programa de computadora. Los motores mueven los cuadrados de madera hacia una posición ideónea, para que la luz les impacte más o menos. Así  se reproduce la imagen más fidedigna a lo tomado por la cámara. El producto es hipnótico.

http://www.smoothware.com/danny/woodenmirror.html

Barbie Liberation Organization (1993)

Barbie Liberation Organization es una organización internacional que decidió intervenir muñecas Barbie y re-insertarlas en el mercado, para criticar los estereotipos y demás significados que conlleva dicha muñeca.


>> VIDEO
(saltar al minuto 2:19 para ver la demostración)

http://en.wikipedia.org/wiki/Barbie_Liberation_Organization
http://beautifultrouble.org/case/barbie-liberation-organization/

REFLECTIVE Reiko Yamada

Ganadora en la categoría Residencia de la International Call for Composers 2014 

Reiko Yamada, compositora japonesa ganadora del International Call for Composers 2014, presenta su instalación sonora Reflective como cierre de su mes de residencia en Buenos Aires. A través de esta obra la compositora refleja conceptos que pueden condensarse como dualidades: perfección/imperfección, control/azar, acción/consecuencia. El espacio se organiza bajo la misma lógica, delimitándose por medio de la disposición de parlantes, sensores, y elementos que permiten recrear simbólicamente los condicionamientos a los que se anclan las determinaciones cotidianas. Antes de interactuar con la instalación, el público debe enfrentar la primera decisión: hacerlo solos o acompañados. Una vez en ella los movimientos de los participantes, captados por medio de sensores, determinarán los sonidos de la obra; en un momento efímero se confiere al público la responsabilidad de construir la obra en una sola oportunidad. De esta manera se propone la reflexión sobre nuestra agencia habitual en la propia existencia.

https://www.youtube.com/watch?v=cxAUYAsZnRg

CONCLUSIONES The Cherry Blues Project

The Cherry Blues Project es una banda de música experimental y Arte Sonoro de Argentina formada en 2001. La integran sus dos miembros originales que utilizan los seudónimos Cherry y Blues.

Biografía

En primer lugar, diríamos que es un divertimento y un hobby para nosotros; un acto de creación y de expresión. El “proceso” parte principalmente del juego y de la escucha atenta de los sonidos de la realidad.

Puntos imprescindibles para nosotros son la creación de paisajes sonoros y el rescate permanente de nuestra propia memoria auditiva, a veces grabándonos en algunos discos a nosotros mismos en situaciones cotidianas. Creemos que nuestras obras son altamente autobiográficas, cada una de ellas representando una determinada etapa de nosotros.

En muchos discos nuestros se encuentra la presencia de humor, ruidismo, cotidianidad, juego, performance, experiencias libres, ridiculeces, absurdos, silencios, cosas que no deben tomarse en serio, mentiras, sátiras, cosas inescuchables, muestras de talento, integridad y homogeneidad, conceptos, ideas desarrolladas hasta la concreción, falta de respeto hacia los oídos ajenos, terrorismo sónico, contemplaciones de la vida, escepticismo y a la vez religiosidad, contradicciones, electricidad, unplugged, calma, caos, ocio, conversaciones y diálogos, violencia, etc.

The Cherry Blues Project nació en el año 2001 como un proyecto de arte sonoro y música experimental creado por dos miembros que usan los seudónimos Cherry & Blues dentro de la banda. The Cherry Blues Project recorre varios “estilos” y “etapas”, por así decirlo, en sus más de 120 discos, singles, videos y DVDs.

Como proyecto sonoro no solemos tocar en vivo (tenemos discos “En Vivo”, que hemos hecho en pequeños shows privados); sino que nos basamos en el trabajo creativo de nuestros discos para su escucha.

Cuando empezamos con el proyecto no teníamos mucha idea de cómo seguirlo ni si tenía validez lo que hacíamos. Con el tiempo fuimos descubriendo artistas y propuestas artísticas de distintas índoles que nos hicieron dar cuenta de la validez de nuestras obras, de que lo que hacíamos era viable y aceptable para muchas personas. Solíamos pensar que nuestras obras no eran absolutamente nada, que lo único a lo que se aproximaban era al ruido, pero el descubrimiento de artistas análogos nos hizo creer en lo que hacemos y en lo que expresamos en nuestros discos.

De todos los discos que tenemos editados, creemos que hay verdaderos discos válidos para su escucha. Pero nuestra más profunda confesión es que el 70% de nuestras grabaciones son inescuchables para la gran mayoría de la gente, incluyéndonos a nosotros mismos. Estas grabaciones que nosotros consideramos inescuchables sentimos que son momentos de nuestras vidas y que eso le da legitimidad a la obra. Creemos que son obras válidas (algunos los consideramos “discos de culto” para nosotros, por lo que significó hacerlos), y a su vez, no creemos que porque hagamos un disco de arte sonoro o música experimental tenga que ser agradable a los oídos. Después de todo, nuestra búsqueda no apunta sólo al lado “musical”, sino que tratamos de generar algún tipo de reacción en la persona que nos escuche.

https://www.youtube.com/watch?v=Khq_HY0yY1g

Lozano-Hemmer. General.

Líneas de trabajo

En su trabajo, destaca el factor experimental, que va apareciendo con el trabajo sobre determina elemento, que fue fallar o ser un éxito. En lo particular, destaca dos líneas: para espacios públicos y para museos o colecciones. En la primera categoría, suelen ser obras a una escala Large, de carácter relacional con el público, a través de sensores e Internet. En las mismas, busca intervenir las ciudades que se están homogeneizando pensando en el capital y no en la ciudadanía. Al igual que busca que sólo funcionen con el público.

Para Museos y Colecciones


Los tópicos principales a trabajar son la presencia, ausencia, soledad, efímero, muerte; las intenciones son las mismas que en el espacio público, por ello gran porcentaje de sus obras pierden sentido sin la presencia de un espectador.

En la línea de trabajo, el artista efectúa tres clasificaciones: Detectores, Grabadoras y Generadores.


Detectores: son obras que sienten la público y reaccionan ante él, esperan al público, para ver que le interesa. Como por ejemplo Tensión Superficial (1992)



Grabadoras: obras que no reaccionan en tiempo real, pero funcionan con contenidos generados por el público "Crowd Sourcing". Como la obra Último Suspiro (2012).




Generadores: son aquellas obras donde el eje no está puesto en la interactividad, sino en una serie de algoritmos que describen comportamientos. Tal es el caso de 33 Preguntas Por Minuto (2000).

Ideología

Interactividad

La define como una herramienta y lenguaje para intimidar y establecer una complicidad con el público. Para trabajar sobre plataformas incompletas que tiene una función muy importante. Sobre el esto describe una paradoja, mientras por un lado crear situaciones que están fuera del control del artista y seducen al público; por el otro, el público es vigilado constantemente. En este último punto señala que existe cierta violencia.

Acercamiento a la tecnología y noción de obra de arte

En todas las entrevistas que realizó, sostiene que es imposible trabajar sin acercarse de algún modo a la tecnología. Describe a la época actual como una cultura tecnológica, basada en redes; donde la mayoría del público pasa muchas horas frente a una pantalla y su identidad esta atravesada por las tecnologías. Para sostener el argumento, da el ejemplo de una persona que vive en el campo, sin Internet; resalta que a pesar de que esa persona no este conecta, el país al que pertenece sí y de hecho su economía se basa en aspectos virtuales, y probablemente su lengua desaparezca por la unificación que se está desarrollando. Por ende, el arte debe hacer esto visible, hacer visible los algoritmos que manejan las obras.

Para lograr esto, el arte se nutre de la ambigüedad, igual que la poesía: ocultar, confundir, preguntar; para dar paso a la incertidumbre, cuestionamiento, introspección subjetiva. Asimismo, toma las palabras de McLuhan('70) de que la tecnología es parte de nosotros como una segunda piel; oponiéndose a los extremos que toman a la tecnología como algo lúdico y a los que la consideran un elemento de violento, de vigilancia. Frente a esto, resalta "Investigar la tecnología es investigarnos a nosotros mismos", en este punto es donde señala que los coleccionistas de los museos deben abrirse a estos nuevos medios.

Con respecto a la tecnología, posee dos formas de abarcarla: una frente a personas que vienen del entorno del arte, y otro para los tecnologistas. En el primer caso, sostiene que la ciencia ya no cumple un rol tan utilitario como se la concebía años atrás por la ambigüedad que la caracteriza. Allí señala que existe un lugar de creatividad, donde se pueden generar relaciones nuevas a través de ecuaciones, cuyos resultados no se pueden controlar y la obra adquiere vida propia. Por otro lado, frente a los tecnologistas se acerca a la tecnología rechazando la noción totalizadora de aldea global, ay que sostiene que bajo ese rótulo se llegaron a cometer atrocidades.

En lo que respecta a la creación, espera que no se pierda el aspecto experimental como fuente creativa. En lo personal, posee un estudio en Montreal (Canadá) integrado por diez personas de distintas disciplinas: artistas, arquitectos e ingenieros. El método de trabajo está divido en dos, por un lado para aquellas intervenciones en el espacio público; y por el otro iniciativas que surgen de la experimentación interdisciplinar con diversos materiales.

Considera a las obras como plataformas para autorepresentarse, conectarse unos con otros en un devenir constante en el tiempo y espacio. No busca un mensaje humanista, de hecho no cree en el humanismo ni que exista una conexión espiritual entre las ciencias y el arte. En cuanto a la conservación, rechaza aquellas que es vampírica; es decir, en caso de 33 Preguntas por minuto, no el interesa que queden almacenadas todas las preguntas hechas por el público, sino que se puedan regenerar constantemente. De este modo, es que cuando vende una obra adjunta instrucciones de cómo adaptarla a otras tecnologías porque supone que no siempre serán las mismas, dándole herramientas la curador. En este punto, muchas veces aparecen problemas porque no existe un original y un copia como en una fotografía que pueden conservar el negativo en la heladera; sino que lo adquiere el curador son objetos e instrucciones para reproducirlos, de modo que se puedan recrear.

Fuente:

https://www.youtube.com/watch?v=yPTVldjYhXY

https://www.youtube.com/watch?v=IBL6imnolEk

https://www.youtube.com/watch?v=6viBKRhQjyQ

Nam June Paik

TV fish (1974)

En este caso un elemento natural coexiste con variantes del mismo elemento, es decir, una pecera convive con un imágenes de un acuario reproducidas en una televisión que se encuentra detrás de la pecera.

Registro: https://www.youtube.com/watch?v=EiOeZxE5twQ

Más de Nam June Paik:
Global Groove https://www.youtube.com/watch?v=7UXwhIQsYXY

Picasso- Cabeza de Toro

La obra Cabeza de Toro de Picasso funciona a partir de relaciones mentales que se generan a partir de la disposición de un manubrio y un asiento de bicicleta. De allí, deviene un elemento figurativo nuevo cuya percepción es ayudada por el título de la obra.

Artistas relacionales: Georges Braque, Juan Gris.

Berni

Las obras de Berni conjugan los estético y lo ideológico, incorporan elementos reales de lo que se ve retratado.

Juanito Laguna(1960s- 1970s) es un personaje creado por el artista para retratar la vida y anhelos de un niño en una villa de emergencia, en las pinturas icorpora elementos propios del ambiente que se busca retratar. 

Más imágenes: http://coleccion.educ.ar/coleccion/CD5/contenidos/bernichicos/galeria/juanito.htmlMás información: http://coleccion.educ.ar/coleccion/CD5/contenidos/docentes/sugeridas/lospersonajes.html

Ramona Montiel (1960s- 1970s) es otro de los personajes que Berni utiliza para retratar sectores marginales de Buenos Aires a través de una fuerte crítica social. 

 

Más información: http://coleccion.educ.ar/coleccion/CD5/contenidos/docentes/sugeridas/lospersonajes2.html

Rauschenberg- Monograma(1955)

Esta obra experimenta con la incorporación a la pintura de elementos ajenos a la misma. Se trata de una collage caótico donde no existe una lógica racional que se enmarca en los combine paintings. 

Aquí se presenta una cabra disecada con un neumático a modo de imposible flotador. Al igual que la mayoría de sus trabajos  tanto objetuales como de serigrafía enfatiza la producción en serie, con una gran influencia en el arte pop de los años 60. 

Más información:
http://en.wikipedia.org/wiki/Combine_painting
http://en.wikipedia.org/wiki/Robert_Rauschenberg

Duchamp, Rueda de bicicleta (1913)

Duchamp, Rueda de bicicleta (1913)

Desarrollo conceptual

Esta obra se conoce en marco de un "ready made" en la que saca un objeto de su lugar y se lo re-contextualiza, activando relaciones mentales. Entonces, se presenta un objeto cotidiano como obra de arte. Su valor se desarrolla a partir del acto mental, de al actitud frente a la realidad.
En este caso se monta una rueda de bicicleta de forma tal que gira pero sin avanzar.

Duchamp se identificó con la corriente Dadaísta: http://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo